김혜진

<자화상>, 21.2x33.4*(cm), 캔버스에 아크릴, 겔 미디엄, 2020 내가 그림을 그리고 그것에 집착하는 가장 큰 이유는 나를 위해서다. 스스로를 위로하고 나를 탐구하고 싶은 욕망이자 소원이다. 내게 그림을 그린다는 의미는 나를 사랑하고 싶으며 자신을 제대로 알아가고자 하는 온전히 나를 위한 치유의 행위다, 오로지 나의 시선에 의한, 나만의 나를 똑바로 보고 나를 위로할 것이고, 내가 보는 솔직한 나를 드러내며 보는 이에게 위로를 받고 공감을 받고 싶은 것이 나의 그림이다. 붉은 몸은 팔다리가 없거나 일부만 노출이 되어있다, 이는 한 주제에 시선을 몰리게 하도록 유도하며 무력한 나 자신을 표현하고자 하는 의도이다. 나는 보는 사람의 시선을 몸의 형태와 붉은 색의 붓 자국에 집중하게 만들고 싶었고 이러한 이유로 여성의 토르소 형태를 그려냈다. 동시에 팔다리 없이 비틀고 있는 신체의 모양을 통해 무력하게 살아있는 나 자신을 재현한다. 나는 불안하고 위태로운 감정에 휘둘려 스스로를 상처 입히기 일쑤이다. 그 상처를 다독이고 삼정을 잠재우기 위해서 나는 나를 똑바로 마주보고 정서적인 안정을 얻을 필요가 있다고 생각한다.

강예지

<aquarium>, 11.8 x 9.1, 디지털 미디어, 2020 여러 드로잉 작업을 콜라주하여 포스터 형식으로 제작하였다. 시원하고 유쾌한 분위기로 작업하였다.

고우진

<내면>, 59.5x37.9(cm), 마카펜, 아크릴물감, 포스터물감, 아크릴 거울 , 2020 캔버스에 강렬한 색감을 채색한 후 고요함을 그려 반대되는 내면을 표현하였다. 아크릴과 포스터 물감이 만나 마르면서 갈라지는 재질을 의도하였다. 캔버스를 가운데 두고 양면에 각각 2개의 아크릴 거울을 배치하여 무한한 연속성을 나타냈다.

김수영

<한여름밤의 꿈>, 21.5x27.5(cm), 연필, 2020 더운 여름에 느낄 수 있는 현기증을 물결과 물고기의 형상이 서로 오가는 꿈으로 표현했다.

김은서

LUXURIANT DREAM, 297x420, 디지털 믹스 콜라주 ,2020 책은 때론 영화보다 무한한 상상력과 몰입감을 주기도 한다. 내가 어떤 세계를 갈망하고 내가 꿈꾸는 세계는 무엇인가 라는 나만의 갈증을 작업으로 풀어냈다. 책 속에 있는 세계와 밖의 세계가 불분명하고 무한한 끝이 없는 세계를 보여준다. 공간 속의 공간, 또 공간 속의 공간 처럼.. 우주는 유한하지만 우주가 팽창하는 곳은 무한이다. 우주가 시작할 때 약 138억년 전 우주가 팽창하기 전에는 공간과 시간이 생기지 않았지만 팽창함으로써 공간과 시간이 생겨남으로써 무한한 가능성을 열어두고 싶다. 분명 끝이라는 것은 존재한다. 하지만 사람들은 우주는 끝이 없다고 한다. 나도 끝이 없는 무한한 삶을 살고 싶다.

김진주

<잠,(Sleep,)>, 210x 297(mm), 재생지에 콩테, 사진촬영 및 합성./ 방 천장에 프로젝션, 2020 재료기법1 수업 중반부터 '자화상'을 주제로 작업을 이어왔습니다. 본 이미지는 그 작업의 맨 끝에 위치한 것으로, 지난 몇 개월 간 제가 느낀 심상들을 정리합니다. 중앙에 위치한 인물은 몸에 비해 머리가 비정상적으로 팽창되어 있습니다. 'Thomas Lerooy'의 <Heavy Thought> 라는 입체작업을 재생지 위에 드로잉으로 옮긴 것인데, 인물의 외양을 저의 모습으로 바꾸어 냈습니다. 재생지를 사용한 것은 온전히 새로운 것을 바라기보다 가진 것을 고치고 다시 사용 가능한 상태로 만들어 살아내고 싶다는 의도를 담았습니다. 색을 절제해서 고요한 분위기를 형성하고, 드로잉과 실물 사진을 합성하여 공간감을 내고자 했습니다. 뒷 배경이 된 사진은 이번 학기 초반에 촬영했던 우유병입니다. 병의 꼭대기까지 차 있었던 우유가 비워지고 그 자리를 채우고 있었던 흔적만 남아있는 상태입니다. 우유병의 위치를 중심이 되는 드로잉의 왼편 상단에 두고, 가우시안 블러를 입혀 시간의 흐름을 드러내고자 했습니다. 지난 학기동안 생활했던 방 천장에 이미지를 투사한 것은 전시장 벽에 투사할 때와는 또 다른 느낌을 주는 것 같습니다. 지나온 시간들이 쌓여있고, 사건들이 묻어있는 이 집에서 잠이 들고 또 깰 때에 보아왔던 화면에 ‘나’의 모습을 비춤으로 자화상을 완성할 수 있었습니다.

문서인

<격변>, 27.2x39.4(cm), 캔트지에 아크릴, 2020 나는 그동안 틀에 박혀왔던것을 탈피하고 싶은 마음으로 손이가는대로 자유로이 표현해보고 싶었다. 자주 왔다갔다하는 감정의 변화와 행동들을 역동적인 선과 색으로 표현을 하였다.

백세연

<드로잉>, 1911 x 536(px), 디지털 드로잉, 2020 1.밤을 배경으로 주황빛 가로등이 켜진 고속도로를 달리는 자동차들의 움직임에 따라 차량 라이트가 빛의 꼬리를 이루는 모습을 표현 2.푸르스름한 새벽의 고속도로를 지나가는 차의 불빛이 빛의 꼬리를 이루는 가운데 고속도로 옆의 산을 그림자처럼 보이게 하여 쓸쓸한 분위기를 표현 3. 빙하와 파도를 우키요에의 이미지를 차용해 표현

윤재경

<자아의 본질과 개성>, 69.58x52.65(cm), Processing 2.2.1 / image capture, 2020 몬드리안은 기본 조형요소만으로 대상의 본질을 그려낼 수 있다고 여겼다. 그의 이런 사고가 잘 드러나고 있는 작품이 '구성' 연작들이다. 빨강, 파랑, 노랑의 삼원색과 검은색, 흰색, 선과 면으로 이루어진 '구성' 연작들의 특징을 본 작품에 오마쥬하여 사용했다. “플라톤이 현실은 '이데아의 그림자'일 뿐이라고 말했던 것처럼 개개인의 각기 다른 것 같은 자아도 분해하고 또 분해하면 그 본질을 기본 조형요소로 표현할 수 있지 않을까?“ 하는 질문에서 출발한 작업이다. 자아의 본질(이데아)는 모두 동일하지만 이진화된 화면에서 사람들과 개인이 있는 공간마다 그림자가 지는 부분은 다를 것이고, 그것이 곧 자아, 개성이 시각화되어 각자를 표현할 수 있는 것이라고 생각한다. * 이 작업은 여러 관람자가 웹캠 앞에 서고, 화면 속에 관람자들이 나타나면서 화면에 나타나는 색면이 달라지는 상호작용이 있어야 완전해지지만 온라인 과제전에 올리는 형식이 jpg 혹은 동영상 파일로 제한되기 때문에 상황마다 다르게 나타나는 화면을 캡쳐한 이미지만을 올린 점 이해 바랍니다.

이채빈

<There’s Still a Light In the House>, 1700x2000(px), 사진, 디지털 페인팅, 2020 찬란하게 빛나던 초여름의 햇살, 바람, 냄새, 분위기를 담다.

이한지

<감옥>, 100.0*80.3, 캔버스에 혼합매체/ 디지털 작업, 2020 나는 작품을 통해 나의 ‘자아’에 대해서 표현하고 있다. 세 작품은 공통적으로 공간 속에 인물이 있고 인물 안에 또 다른 인물이 철창 혹은 다른 공간에 갇혀 존재한다. 화면상에 드러나는 큰 공간은 나의 정신세계를 의미한다. 그 세계 속엔 나를 괴롭히는 ‘나’를 비롯하여 무수히 많은 ‘타인’들이 내 안에 자리 잡고 있다.

전유진

<self-portraitⅠ,Ⅱ>, 21x 29.7(cm)*2, 디지털드로잉, 2020 스스로의 모습을 낯설게 본 자화상을 표현하고자 하였다.

조은혜

<캠프파이어>, 42x42x30(cm), 혼합재료, 2020 ‘모닥불 주변에 모여 앉아 사람들은 연기 속으로 각자의 기억을 물방울처럼 띄워 올리고 밤이 깊어 모닥불이 허물어지면 추억은 불씨를 머금은 물방울이 된다.’ 캠프파이어가 불과 대비되는 속성을 가진 물방울의 피어오름으로 느껴지던 순간, 모닥불이 가장 아늑하게 느껴졌다. 불을 매개체로 서로의 삶을 공유하던 순간을 어둠을 감싸 안는 불의 순환으로 담아냈다.

최령은

<The Room series>, 80x200(cm), C-prints, 2020 방(Room) 연작은 한 공간과 그곳을 점유하고 있는 ‘나’라는 객체가 어색하고 새삼스러운 느낌을 종종 받는 작가의 개인적인 경험을 바탕으로 제작된 작품이다. 한 공간에 귀속되어 있지 못하고 항상 불안을 떠안고 살아가야 하는 존재들. 구체적이면서도 추상적인 의미에서의 방이라는 공간을 표현함으로써 작가와는 다른 경험을 겪은 누군가도 추상적인 표현들의 사이에서 공감 받고 그때의 원액과도 같은 감정을 희석 시킬 수 있기를 바란다. ※본 작품은 온라인 전시에 최적화되어 확대-스크롤 하여 관람하시는 것을 권장하고 있습니다. 관람에 문제가 없으시기를 바랍니다.

정세빈

<드로잉 무덤-디지털세계에서의 혼합>, 복합 재료로 그린 드로잉을 디지털로 콜라주, 2020 이전 학기 캔버스에 여러 드로잉들을 겹쳐 같은 이름으로 제출한 것처럼, 같은 시리즈를 매체만 바꾸어 디지털 콜라주로 표현하였다. 드로잉의 주요 주제는 움직임과 나 자신으로, 여러 가지 매체와 재료를 시도할 수 있게 노력했다.

김혜진

<잔치>, 72.7×60.6(cm), 캔버스에 아크릴, 2020 “할머니와 나는 태어나서부터 할머니가 쓰러지시기까지 늘 함께였다. 할머니는 쓰러지신 후부터 쭉 병원에만 계셨다. 할머니가 쓰러지신 이후로 집에는 할머니의 물건들이 하나씩 자리를 잃었다. 장롱, 침대, 할머니의 옷가지들..할머니를 추억하는 물건들은 그렇게 사라졌다. 2년 전부터 할머니가 자주 꿈에 나타났다. 아주 건강하시고 생생하신 모습으로. 그때부터 꿈은 할머니의 물건들 대신 할머니와 나를 이어주게 되었다. 일상을 함께하지 못하는 할머니를 잊지 않고 함께 하고 싶은 마음이 꿈으로 나타난 듯 했다. 2020년 3월 14일, 할머니는 물건들과 함께 흔적도 없이 사라졌다. 이젠 정말로 할머니와 함께할 수 없게 되었지만, 할머니와의 추억은 여전히 나와 함께 남아있다“ 나는 작품제작을 통해 애틋하고 소중한 가족(할머니)에 대한 이야기를 하고 싶었다. 가족에 관한 이야기는 나의 이야기일 뿐만 아니라 우리 모두의 가족에 관한 이야기가 될 수 있다. 사진에서 선명하게 남겨둘 부분과 희미하게 채색할 부분을 나누어 표현한 것은 할머니의 죽음으로 기억이 희미해지는 부분과 추억으로 남겨져 점점 더 진해지는 부분을 나타내고자 하였다.

김혜진

<자화상>, (좌)21.2x33.4cm, (우)21.2x33.4cm, 캔버스에 아크릴, 겔 미디엄, 2020 거울을 보며, 나는 나에 대한 호기심, 결핍 등을 느끼고 나의 육체를 마주한다. 나는 이를 캔버스에 옮김으로써 불행한 감정을 지닌 나를 똑바로 마주한다. 그 과정에서 내가 인간임을 느끼고 안정감을 느낀다. 나는 나를 끝없이 탐구하며 그에 관한 기록을 연작으로 남기자 한다. 왼쪽의 그림(거울로 본 나 1)에는 여인의 상반신을 측면에서 본 듯한 형태가 있다. 붉은 색의 몸은 마치 피부가 벗겨져 근육이 그대로 드러난 모양새이다. 등의 뼈 부분에는 겔 미디엄(Gel Medium)을 얹어 입체감과 질감적인 요소를 강조했다. 눈으로 느껴지는 질감은 감정을 더 잘 드러낼 수 있는 수단이자 감각을 공유하려는 나의 시도이기도 하다. 오른쪽의 그림(거울로 본 나 2)의 몸은 보기에도 불편해 보이는 자세이며 팔 다리 없이 몸통만을 보여주고 있다. 배 한가운데를 가르는 묘사는 겔 미디엄(Gel Medium)을 이용하여 경계를 만들어내고 그 위에 아크릴 물감을 덮는 방식을 사용하여 탁하고 진한 느낌을 의도했다. 나는 단순히 외형적인 닮음의 자화상이 아닌, 내가 생각하는 내면의 나를 그리고자 한다. 내가 느끼는 나를 그대로 담은 이 그림을 통해 나는 정서적인 안정감을 느낀다. 오로지 나 만을 위하고 내가 위로를 받기 위한 치유의 그림인 것이다.

강예지

<아토피>, 91.0cmx72.7cm, 캔버스에 한지, 유화, 2020 작품의 주제는 ‘아토피’, 부 주제는 ‘질감의 표현’이다. ‘아토피’라는 피부 질병은 흔한 질병 중 하나이다. 하지만 이것을 겪고 있는 사람들이 어떤 감각과 기분을 느끼는지, 겪고 있지 않은 사람들이 구체적으로 알 길이 없다. 그래서 나는 그것을 표현할 방법으로 질감을 택하였다. 질감(시각적 촉감)으로 생소한 감각(가려움, 따가움, 불편함 등)을 공유하는 것이 이 작품의 의도이다.

고우진

<파도>, 45.5x37.9(cm), 아크릴물감,마카펜, 2020 바닷속이 훤히 다 보이는 투명한 파도를 표현하였다.

김수영

<동상>, 21.5x27.5(cm), 연필, 파스텔, 색연필, 페로로 로쉐 껍데기, 2020 오스카 와일드의 동화 ‘행복한 왕자’에 대한 재해석을 바탕으로 타인의 고통을 함부로 지나치지 않으려는 태도를 표현했다.

김은서

<꿈 속 세상>,297x420, 디지털 믹스 콜라주, 2020 숲속에 있는 여인을 그렸다 숲속은 일반적으로 우리가 볼 수 있는 풍경은 아니다. 현실이 아닌 꿈이라는 것을 표현하기 위해 여인은 채도를 낮추어 흑백에 가까운 느낌을 표현하였다. 현실이 아닌 꿈이라는 것은 그 자체로 많은 상상력과 현실에서 불가능한 상황들을 만들어 내기도 한다. 하지만 꿈은 이루어질 수 없기에 여인의 표정은 즐거워 보이지 않는다. 표정과 어딘가를 바라보는 듯한 .. 많은 생각에 잠겨있는 모습.. 어떤 생각과 기분일지.. 아무도 모른다. “아름다운 색을 띠는 초원에 누워 자유를 만끽한다면 얼마나 좋을까?” 이 작품을 보면 시가 떠오른다. <가고픈 나라> -이응창- 언제나 내가 가고픈 나라는 일 년 사시 아름다운 꽃 피는나라 나비가 훨훨 춤을 추고 즐거운 즐거운 꿈속의 나라 언제나 내가 가고픈 나라는 과자로 빚은 집속에서 언제까지 들어도 지겹지 않은 옛날 갓날 이야기 꿈속의 나라

김진주

<Neighbor Next Door>, 105x130x80(cm), 카드보드에 아크릴 채색. 각목과 폐품. / 야외에 설치, 2020 코로나로 사회적 거리두기가 시행되면서 우리는 집에서 지내기를 권고 받았다. 거리의 발걸음들은 끊기고 택배업은 호황을 맞이했다. 그리고 어느 택배기사의 죽음이 기사로 전해졌다. 집이 가장 안전하다는 슬로건도 누군가에게는 두려운 일이었을 것이고, 집이 없는 사람들에게는 해당되지 않는 말이었다. 작업 초반, 주 재료로 카드보드지(박스지)를 선정함은 그런 이유에서다. 집이 없는 사람들이 흔히 취하는 재료인 박스. 박스는 평면으로도 입체로도 조립이 가능하여 공간을 구축하기 좋고, 두께와 크기에 비해 무게가 가벼워 이동시에도 용이하다. 쉽게 구할 수 있고, 또 쉽게 버려지기도 하는 이 재료는 우리가 관심을 두고 필요로 할 때에 그 가치를 드러내지만, 아닐 때에는 그저 널려있는 종이들로 치부되기도 한다. 우리가 살아가는 모습과 겹쳐지는 부분이 있다. 오늘날 우리는 도시를 빼곡하게 채우고 있지만 그만큼 누군가에게 관심을 두고, 관계를 맺기란 어려운 것이라 느낀다. 어디를 가나 사람이 있어서, 우리는 대부분의 순간들에 누군가와 맞닿아있음을 잘 눈치 채지 못한다. 닿아있다 하더라도 내 에너지와 내 시간과 내 삶을 쏟기란, 바쁜 세상에서 때론 사치스럽게 여기지기도 하다. 연약한 재료를 뜯고, 찢고 색을 입히는 과정은 의외로 재료를 더욱 견고하게 만들었다. 한 장으로는 부족하니 여러 겹을 겹쳐서 붙여 벽을 세우고, 나무의 지지도 받으며 드디어 형태를 갖추게 된 박스집은, 특정 시선으로 보아야 집의 모양을 띄도록 설계되었다. 관심을 가지고 그 시선을 찾아야 집이 된다는 것, 우리가 생각하는 집의 모양을 가지고 있지 않은 집도 있을 수 있다는 것, 집이라는 것이 과연 무엇일까? 와 같은 의미를 담고자 했다. 어린 시절, 포장을 뜯고 남은 커다란 박스에 몸을 넣어본 경험이 있다. 지금 내가 알고지내는 어린이들도 최근 박스로 집 만들기 놀이를 했다며 나에게 자랑을 했다. 몸을 집어넣을 수 있는 공간이 있다는 것은 퍽 아늑하고 만족스러운 느낌을 선사하는 듯하다. 그러나 이제는 몸을 한껏 움츠려 넣었던 이 집을 벗어나 옆집의 문을 두드려 보며 그런 느낌을 함께 나눌 수 있었으면 한다. 그동안의 시간들을 반성하는 마음으로 작업을 마무리했다.

문서인

<외면>, 116.8 x 72.7 (cm), 캔버스에 유화, 2020 작품은 실제 학대를 당한 후 한쪽 눈을 잃은 동물을 모델로 삼았다. 사람들은 장애나 고통의 흔적이 있는 동물일지라도 자신이 보고 싶은 모습으로만 본다. 즉, 상해를 가리고 그의 온전한, 정상적인 모습과 아름다움만 볼 뿐이다. 자신의 미관에 맞지 않은 흉한 모습은 외면하고 잊고 싶어 하는 사람들의 시야를 그림에 담았다. 동물을 좋아하는 사람들조차, 방치되어 있는 그들을 쉽게 외면하고 잊어버리려고한다. '보기만 해도 마음이 힘들어서' '불쌍하지만 어찌 해 줄 도리가 없어서' '그냥 그 모습이 싫어서' 저마다 다양한 이유를 대며 상처를 거부한다. 이러한 모습에 나는 좀더 깊게 생각해보게 되었고, 동물을 바라보는 대중들의 모순된 두가지 시야를 한 화폭에 동시에 담아보고 싶었다.

백세연

<글로벌플라자>,<동성로>, 3864 x 2776, 3d모델링 사진, 2020 1.글로벌 플라자 1층의 모습을 모델링한 것 중 천장에 뚫린 구멍을 통해 이어지는 난간부분만을 확대해 원래 2층까지인 이 난간을 여러개로 중첩시켜 현실을 바탕으로 한 가운데 비현실적 이미지를 표현하고자 하였다. 짙은 푸른색 조명과 반사되는 유리, 거울 같은 메탈재질 등을 사용하여 차갑고 무기질적인 이미지를 강조하고자 하였다. 한눈에 보았을 때 건물의 구조가 아닌 기하학적인 무늬가 눈에 들어오도록 의도하였다. 2. 동성로 민주광장의 모습을 모델링하여 매핑하고, 그 앞에 수조를 배치해 수조의 물을 통해 동성로의 풍경을 바라보는 구도를 취하였다. 수조의 물 너머로 도시가 보이도록 하여 현실에 있는 요소인 동성로, 수조와 물고기, 물이라는 소재를 가지고 비현실적이고 몽환적인 이미지로 나타내고자 하였다.

윤재경

<‘가이드라인’을 벗어나는 삶에 대하여>, 162.2x97(cm), 미디어, 2020 이 작품은 '앞으로 나의 생에 일어날 일에 대해 과한 두려움과 압박을 느끼는 '나의 심리상태에서 출발했다. 이 두려움의 근원이 실수, 실패를 두려워하도록 학습된 '나', 그리고 그 두려움을 학습시킨 사회가 원인일 수 있겠다는 생각에 도달했다. 한국의 교육열은 국내외로 유명하고 그 바탕에 학력주의가 있는데, 성적을 중요시하는 환경이 학생들이 가장 자주 겪고 실수와 실패에 대한 두려움을 학습하는 환경이 아닐까 생각한다. 적어도 내가 그랬고, 내 주변의 친구들이 그랬었다. 그 외에도 우리는 사회 속에서 살아가면서 어디에서든지 '삶에 대한 가이드라인'을 학습할 수 있다. 학교에서 교육 받으면서, 휴대폰-텔레비전 등 디지털 매체로 정보를 접하면서, 타인을 만나 이야기 하면서도 '가이드라인'을 배우게 된다. 모두가 같은 삶을 살 수는 없지만 우리는 좋은 삶에 대한 지향점은 비슷할 것이다. '가이드라인'이 바로 그 지향점인데, 이렇게 하면 인생은 성공한 것이고, 잘 살고 있다는 얘기를 듣는 보편적인 기준을 얘기하고 있다. 좋은 대학을 가고, 좋은 직장에 취직하고, 좋은 사람을 만나서 결혼하고 하는 그런 '일반적이고' 이상적인 기준. 이 가이드라인을 따라서 삶을 살아간다는 것이 여간 쉬운 일이 아니다. 사람은 이렇게나 많고 다양한데 지향점이 같으면 경쟁이 치열해질 수밖에 없지 않겠는가. 우리는 그 가이드라인 안에 붙어있기 위해 너무나 노력하고 있으며, 누군가는 나처럼 가이드라인을 벗어나는 것(혹은 선 안으로 들어가지 못 하는 것)을 너무나 두려워하고 있을지도 모른다. '가이드라인을 벗어나는 삶에 대해서' 긍정적인 인상을 느낄 수 있도록, 관람자들에게서도, 스스로에게서도 실수와 실패를 두려워하는 마음을 조금이나마 덜 수 있도록 하는 작품을 하고자 했다.

이채빈

<장난감>, 3840x2500(px), 미디어, 2020 흔히 남자아이는 파란색을 선호하고 여자아이는 분홍색을 선호한다. 이렇듯 색에 따라 성별이 갈라지는 현상이 나타난다. 대형마트의 장난감 코너를 구경하다 보면 완전히 분리된 별개의 두 공간을 볼 수 있다. 분홍빛인 아기 키우기나 주방놀이, 화장대를 놀이화한 장난감들은 일부에 속한다. 장난감 코너 절반 이상을 차지하는 제품들은 레고, 건담 등 남아용 장난감이다. 장난감을 통해 주입되는 성별 역할은 아이의 관심 분야를 제한한다. 이러한 사회 현상을 반영하여 사회가 정한 성별에 따른 색과 역할을 장난감을 통해 표현하고자 한다. 첫 번째는 새로운 형태로 재탄생한 장난감 포스터다. 두 번째는 가상의 어린이 방 안을 연출한 이미지다. 방 안에 여기저기 장난감들을 배치하고, 프릴과 하트 장식으로 화려하게 단장한 건담 포스터와 방패와 칼을 들고 갑옷을 착용해 지구를 지키는 용사 미미 포스터 그리고 장난감 집 포스터를 벽에 붙였다.

이한지

<인간 존재의 유한함에 대하여 >, 100.0 * 80.3 , 캔버스에 혼합매체 , 2020 나는 작품 제작을 통해 ‘행위의 반복’에 주목하고 있다. 행위의 반복에 주목한 이유는 나 자신, 그리고 인간에 대한 존재 의미를 끊임없이 탐구하기 위해서이다. 끊임없는 탐구를 통해 인간이 인간의 부조리함을 주시하는 방법에 대해 이야기 하고자 한다. 이는 무기력한 자살이나 부조리한 종교로의 도피가 아닌 인간과 그 자신의 어둠에 끊임없이 대면하는 것이다. 나 자신과 인간의 존재 의미에 대한 탐구의 ‘과정’은 나의 창작 행위의 흔적이 만들어내는 유동적인 선과 그 선들이 엉키면서 만들어내는 색으로 시각화 된다. 나의 작품에서 ‘행위’ 그 자체는 캔버스에 물감으로 쌓아올린 층을 긁는 데 있다. 결과적으로 대비되는 검은 색과 흰 색이 섞이는 무수한 시간의 반복이 화면에 남아 과거의 시간과 현재의 시간이 통합된다. 유동적인 선과 그 선들이 엉키면서 만들어내는 색은 의도적으로 똑같이 재현할 수 없고, 결국 나의 작품은 한 번의 삶이 허용된 유한한 인간 존재를 의식하게 한다는 데 의미가 있다.

전유진

<시간, 기억, 나를 담다>, 45.5x33(cm)*2, 45.5x53(cm)*2, 캔버스에 유화, 2020 과거의 기억과 시간이 쌓여서 현재의 나를 이루고 있다. 현재의 내가 과거의 시간들을 새롭게 조합하고 재구성하여 새로운 모습을 생성해보고자 하였다. 작품을 제작하면서 과거의 나, 현재 그리고 앞으로의 나와 마주하는 시간을 갖는다는데 의미를 두고자 하였다.

조은혜

<BLUE>, 100x92(cm), 혼합재료 ( 캔버스에 실리콘테이프 _ 콜라주 ), 2020 ‘마주하게 될 많은 사람들 중 당신에게, 파란색은 어떤 의미인가요?’ 호주에서 지냈던 작년, 파란색은 내가 처음으로 익숙한 환경과 분리된 외부 공간을 온전히 느끼고 인지하는 방식 중 가장 큰 부분을 차지하는 색이었다. 가장 넓은 영역으로 쉽게 볼 수 있는 색이며 그렇기에 가장 다양하고 폭넓게 느낄 수 있었던 부분에 매료되었다. 우리는 물리적으로 색을 혼합하여 다양한 색을 만들어 낼 수 있다. 그리고 자연의 색은 물리적으로 빛을 통해 우리 눈에 다양한 색채를 인식하게 한다. <BLUE>를 통해 개인적 경험이 이끄는 ‘파란색’ 색채에 대한 느낌을 환기해보고자 한다. 실리콘 테이프의 접착력을 잉크를 전사시키는 매체로 활용하여 직접 촬영한 사진의 필름을 콜라주 하는 방식으로 자연의 파란색을 <BLUE>에 담아냈다.

최령은

<The Future city Afternoon>, <The Future city Night>, 35x50(cm), 35x50(cm), C-prints, 2020 ’The Future city‘ 시리즈는 현재 우리를 둘러싸고 있는 ’인간‘ 이란 존재란 무엇이며 미래의 인간은 어떻게 변화될 것인가에 대한 여러 가지 질문들에 초점을 둔 작품이다. 도시는 그 속에 살고 있는 사람들의 모습을 닮았다. 도시를 디지털 회화로 그림으로써 그 안에서 살아가고 있는 우리의 모습과 역사를 투영시켰다. 현대는 포스트 코로나 시대이면서 4차 산업 혁명 시대이다. 앞으로 더욱더 과학 기술이 발전될 것이라고 믿는 미래도시에서는, 전과 같이 ’집‘이라는 최후의 방어선을 쉽게 넘나들 수 있을까? 삭거(索居)하고 있는 현재 우리의 삶. 그 불안과 불신은 누가 해소시켜 줄 것인가. 그에 대한 감정과 상황을 두 가지 시간대로 나눠서 전시한다.

최현석

<기억의 궁전>, 81.5x205x34, 혼합재료, 2020 나를 대표할 수 있는 작품은 무엇인가? 나라는 인간과 다른 인간을 구성하는 것의 차이점은 기억이다. 기억은 영구적으로 보존되지 않고 순간적인, 사람마다 무조건적으로 똑같을 수 없는 제각기의 아우라를 가지고 있다. 나의 기억이라는 추상적인 비물질을 물질화하기 위해 나에게 추억이 깃든, 나를 구성하는 기억을 대표할 사물들을 책장이라는 한정적이고 실질적인 공간에 배치, 재구성, 표현했다.

장서현

<오후>, 45.5 × 37.9, 유화, 2020 한가로운 풍경에서 모순적으로 느껴지는 현대인의 무료하고 고독함을 표현했다.

김혜진

<depart>, 72.5×53.0(cm), 캔버스에 아크릴, 2020 “옷이 곧 사람인 시대에서 맞지 않는 옷을 입은 나는 내 존재를 부정하는 것처럼 느껴졌다. 옷을 벗으려 결심하는 것은 어려웠지만, 결심한 후 난 모든 미련도 함께 벗어 던질 수 있었다. 나는 나의 옷을 입고 새로운 곳을 향해 나아가야한다.” 나는 작품제작을 통해 나의 자아를 되찾는 과정을 나타내고 싶었다. 자아란 사고, 감정, 의지 등의 여러 작용의 주관자로서 이 여러 작용에 수반하고, 또한 이를 통일하는 주체이다. 따라서 그것은 그때그때의 사고·감정·의지의 각 작용의 변화에도 불구하고 지속성과 동일성을 지니는 것이어야 한다. 하지만 나는 사회적 자아와 개인적 자아가 일치하지 못해 갈등을 겪었고 그것을 극복해나가는 과정을 표현하려했다.

김혜진

<고민에 빠진 나>, 45.5X37.9cm, 캔버스에 아크릴, 겔 미디엄, 2020 어떤 이들은 그리는 행위를 통해 자신의 상처받은 마음을 치유할 수 있다. 나는 스스로의 감정에 휘둘리는 사람이기에 나를 아끼지 못하고 있다. 이 때문에 나는 나를 똑바로 마주보고 정서적인 안정을 얻을 필요가 있다고 생각한다. 자화상을 그리는 동안에는 오로지 나에 대해서 고민을 한다. 그 시간을 보냄으로써 나는 비로소 살아있음을 느끼고 나의 존재를 확인한다. 즉, 나에게 있어 자기 자신에 대한 그림을 그리는 것은 내가 인간임을 느끼고 삶의 욕망을 일깨워주는 행위이며 나는 여기서 생동감을 느낀다. 그림에서 보이는 나는 등을 돌린 채 머리를 감싸 쥐고 고민을 하고 있다. 어깨가 움츠러든 것이 확신이 없어 보이고 괴로워 보이는 모양새이다. 그림에서 가장 눈에 띄는 것은 등뼈 부분이다. 겔 미디엄을 아크릴과 섞어 올린 것으로 거칠고 두꺼운 질감을 확인할 수가 있다. 눈으로 보아도 질감을 느낄 수 있도록 유도했으며 시선을 주목시킬 수단이기도 하다. 나는 그림을 통해 해방감과 위로를 느낀다. 나의 그림은 다른 사람의 시선이 아닌 오로지 나의 시선으로 이루어진 나이며, 이를 통해 나는 감정의 자유와 안락함을 느낀다. 나는 나의 그림으로 스스로를 안정시킨다. 일종의 심리치료와도 같은 것이다.

강예지

<귤>, 41.0x 53.0, 캔버스에 유화, 2020 입체감을 부각하는 임파스토 기법을 이용해 귤의 표면을 생동감 있게 표현하였다.

고우진

<다발>, 20.5x29(cm), 아크릴물감, 수채화 물감, 2020 암흑 속 다발의 무언가를 표현하였다.

금주영

<호>, 45 x 60 (cm), 아크릴 물감, 오일파스텔, 2020 육체는 시각적으로 존재하고 자아는 그렇지 않다. 하지만 사고적 행위는 원자들의 상호작용이자 본질이며 육체는 수단일 뿐이다. 육체의 물질성에만 집중한 작업이다.

김수영

<탱고>, 21.5x27.5(cm), 연필, 오일 파스텔, 색연필, 2020 재의 무게는 구두의 뒷굽보다도 드레스의 앞코보다도 무거워서 환희만으로는 쉽게 위로받지 못한다.모순을 미덕으로 갖춘 까마귀만이 누워있는 재 한 줌의 가슴을 맞대고서 그의 상대가 되어준다. 춤 위에 올라선 검은 손가락만이 감은 눈 위에 난 산산조각의 깃털들을 어루어 만질 수 있다.

김아로

<조우>, 468 x 636(mm), 아크릴물감, 오일파스텔,종이, 2020 낯선 이를 바라볼 때의 혼란스러운 감정을 그렸다.

김은서

<소박한 꿈>, 297x420, 디지털 믹스 콜라주 사람들에게 행복은 주관적인 요소이다. 행복의 기준은 사람마다 다르다. 즐거운 순간순간이 반복되는 것을 행복이라 생각한다. 자신이 정한 목표를 달성할 때의 느낌을 행복이라고 여기는 사람도 있고, 가족이 잘 지내는 것에 만족하는 행복도 있고 좋은 일이나 나쁜 일이 있더라도 평정심을 잃지 않는 것이 행복이라고 하기도 한다. 나의 소박한 행복은 일을 마치고 소중한 사람들과 맛있는 음식을 먹으며 간단히 이야기를 나누는 것이라 생각한다. 누구도 행복의 기준을 내릴 수 없다. 나의 기준에서 행복하면 그 누구도 나에게 충고를 할 자격이 없다. 나의 행복은 내가 만드는 것이고 내가 이끌어나가는 것이라 생각된다.

문서인

<무력함>, 27.2x39.4, 캔트지에 유화, 2020 사람들은 고통의 상황에 놓여있는 동물일지라도 자신이 보고 싶은 모습으로만 본다.즉, 상해를 가리고 그의 온전한, 정상적인 모습과 아름다움만 볼 뿐이다.동물을 좋아하는 사람들조차, 방치되어 있는 그들을 쉽게 외면하고 잊어버리려고한다.'보기만 해도 마음이 힘들어서' '불쌍하지만 어찌 해 줄 도리가 없어서' '그냥 그 모습이 싫어서' 저마다 다양한 이유를 대며 상처를 거부한다.이러한 모습에 나는 좀더 깊게 생각해보게 되었고, 동물을 바라보는 대중들의 모순된 시야를 한 화폭에 담아보고 싶었다.

백세연

<엔진>, 1900 x 1479(px), 3d모델링 사진, 2020 엔진의 기계부품의 복잡한 모습을 모델링하여 매핑하여 사진으로 최종 랜더링한 모습. 격자무늬의 유리 배경과 창백한 푸른색의 조명을 주어 차갑고 기계적인 이미지를 강조하고자 하였다.

서여진

<기법연구>, 900 x 1200(px), 컴퓨터, 2020 빛을 활용하여 그림연구를 해보고 싶었다. 눈 감은 여성이있고 붉은 천을 뒤집어 쓰고 있다. 동양에서 붉은 것은 다양한 상징이 있는데 귀신을 부를때나 악귀를 쫓을때도 사용되는 색이다. 클립스튜디오라는 컴퓨터 프로그램을 이용하여 손에 익히는 연습에 많은 도움을 준 그림이다. 새로운 방식의 도전이라 작품전에 내고 싶었다. 카라바조의 뒷배경을 누르는 기법에 감명을 받았다.

윤재경

<현대인의 3대 영양소>, 39.4x27.2(cm), 켄트지에 색연필, 2020 누군가 그런 말을 했다. 현대인의 3대 영양소는 알코올, 카페인, 니코틴이라고. 우리가 알고 있는 몸에 필요한 3대 영양소는 탄단지 - 탄수화물, 단백질, 지방이지만, 그것만으로는 살아갈 수 없다. (다른 맥락이긴 하지만, 예수님께서도 말하지 않았는가. 사람은 빵만으로는 살 수 없다고.) 알코올, 카페인, 니코틴. 이것들이 몸에 좋지 않다는 것은 아마 현대인들 모두가 알고 있을 것이다. 하지만 이런 것들에게 현대인의 3대 '영양소'라는 말을 붙이는 것은 조금은 자학적이고 자조적인, 해학적 표현이다. 현대인의 3대 영양소는 아마 세 가지 모두 하는 사람도, 모두 하지 않는 사람도, 두어 개만 하는 사람도 있을 것이다. 술, 담배를 하고 커피나 에너지 드링크 등의 카페인 음료를 마시는 사람들이 이것이 건강에 나쁜 줄 모르고 하겠는가. 이런 거라도 안 하면 (은유적 표현으로) 죽겠다- 싶으니까 하는 것이지. 한국인들끼리 우리는 '해학의 민족'이라고 한다. 고전에서도 풍자와 해학을 자주 찾아볼 수 있고 요즘에도 '드립'을 치면서 사회의 부정적 현상이나 인간의 모순을 '돌려 깐다.' 현대인의 3대 영양소로 알코올, 카페인, 니코틴을 언급한 것도 지치는 상황에서 할 수 밖에 없는 해악들을 해학적으로 풀어낸 말이다. 때문에 이 그림은 그 해학적 구절을 조금 더 밝은 느낌으로 표현하여 구절의 모순점(인체에 해로운 것을 ‘영양소’라고 표현하는 것)을 더 명확히 보이게 하고 싶었다. 피곤해보이는 얼굴의 현대인 3명은 시리얼, 쿠키, 토스트처럼 빠르게 해치우는 아침을 먹는 식탁에서 알코올에 시리얼을 말아먹고, 쿠키를 우유가 아니라 에너지 드링크에 찍어먹고, 토스트에 누텔라를 바르고 과일이 아니라 담배를 올려 먹고 있다.

이채빈

<환상>, 2000x2000(px), 포토샵, 2020 꿈에 잠식돼 버려 깨어날 수 없다.

임한슬

<기록 : 여섯 번째 봄>, 36x51(cm), 수채화지에 혼합재료, 2020 동물과 가족이 된다는 것, 길게는 이십 년에 이르는 평생을 혼자서는 아무 것도 하지 못하는 아기와 다름없이 살아가는 생명을 책임진다는 것. 막내를 막 데려올 때만 해도 우리는 이별에 대해서 깊게 생각하지 않았다. 당시는 이제 막 ‘애완동물’ 보다는 ‘반려동물’이라는 단어를 사용하자는 움직임 정도가 시작되었던 시기였으며, 아무도 이야기하지 않는 반려동물의 죽음 이후에 대해 생각하기에 우리는 너무 어렸다. 하지만 내 고양이는 이제 만 일곱 살을 향해 달려가고 있고, 이것은 집고양이 평균 수명인 15살의 절반에 해당하며, 많은 것이 바뀌기에 충분한 시간이기도 하다. 시간이 흐르는 동안 시민의식은 성숙해졌고 주변에도 반려동물을 먼저 떠나보낸 사람들이 차츰 생기기 시작했다. 하나같이 시간이 정말 쏜살같으니 사진을 많이 찍어두라고 조언하는 와중에, 이제는 막내가 중년기에 접어들고 활동량이 줄어들기 시작하자 함께할 수 있는 남은 시간이 줄어든다는 사실부터 덜컥 공포로 다가온다. 우리는 그 애의 눈에 비친 세상을 보고, 그 애의 시각으로 세상을 보려고 노력하지만, 한편으로 남겨지는 것을 준비할 필요성이 있다는 말에도 동감하기에 막내를 사진으로 남기는 것에 그치지 않고 우리가 기쁘게 추억할 수 있을 방식으로 기록하기 시작했다. 캔버스 속에서 내가 누리게 해주고 싶은 무한한 삶을 누리기를 바라며.

장서현

<너무 가까운 우리>, 72.7 × 53.0, 유화, 2020 현대 사회에서 물리적으로도, 심리적으로도 지나치게 가까워진 거리로 인하여 피로를 느끼는 사람들을 표현했다.

전유진

<포옹>, 21x29.7(cm), 혼합매체,2020 매주 드로잉한 이미지에서 부분들을 가져와 최종적으로 <포옹>이라는 작품을 제작하였다. 오일 파스텔 드로잉, 마블링 기법을 활용한 드로잉을 재배치하는 과정을 통해 새로운 이미지를 구현하였다.

정세빈

<그림이 그대를 속일지라도>, 29.7*42(cm), 종이에 라이너펜, 오일파스텔. 촬영, 2020 그림 한 장에 환경을 담아낼 수 없다면 환경 속으로 그림을 던져놓는 것도 좋은 방법이다. 이 사진 한 장으로 그림의 소재, 환경, 분위기, 재료와 그린 사람의 성향까지 한눈에 파악할 수 있으니까!

정희윤

<생각>, 1263 x 1562(px), 종이에 펜, 2020

최령은

<The water series>, 130x100(cm), 9 b/w prints, 2020 ‘The water series’는 아이슬란드에서 파도, 눈, 빙하, 얼음, 폭포 등의 물로 이루어진 자연 풍경들을 가까이서 관찰하고 확대한 사진 작업이다. 이 9장의 사진 세트는 자연 그대로의 상태일 때 물이 가진 변화무쌍한 모습을 아이슬란드의 자연으로 보여주고 있으며 흑백 처리와 확대 및 대비를 통해 그 속성을 면밀히 보여준다.

최현석

<무제>, 45.43x93.13, 사진, 2020 코로나로 인해 외출을 금하고 집에서 있는 시간이 많아졌다. 그만큼 자아를 생각해볼만한 기회가 있었다. 난 내 얼굴을 싫어한다. 딱히 생김새의 문제가 아니라 주목받는 것 자체가 싫다. 언제나 제 얼굴 가리기에 급급한 삶을 살았다. 사진에서도 생활에서도 필요하지 않은 부분은 언제나 얼굴을 가리고 살아왔다. 그러던 중 문득 이러는 내 모습이 어딘가 일그러져있다고 생각했다. 그 모습을 담고 싶어서 이 작업을 제작했다.